Prof. Lea Letzel

This project brings together the fields of Performance and New Musical Forms and Temporary Spaces to activate the ship Dauerwelle as a temporary artistic and institutional space within the context of the Breminale. Starting from the drifting boat, the project approaches the ship as a performative space shaped by infrastructures, regulations, urban dynamics, and cultural expectations, including historical maritime imaginaries, gendered mythologies, and notions of belonging. Based on Situationist analyses of spectacle and dérive, the project critically examines how artistic practices operate within temporary festival conditions and how institutions situate themselves in public space. We will develop individual or collective works at the intersection of spatial practices, performance, sound, installation, and time-based media, based on site-specific and situated research shaped by specific geographies, embodied experiences, and temporary encounters. The works are developed in direct relation to the ship and its temporary festival context.    The project includes conceptual input, discussions, collective planning, and on-site production phases, concluding with the presentation of works during the Breminale (01.07. – 05.07.).   Introduction: 09.04.2026, 10:00, Atelier 3.04.050 (Segment 4) --- This project brings together the fields of Performance and New Musical Forms and Temporary Spaces to activate the ship Dauerwelle as a temporary artistic and institutional space within the context of the Breminale. Starting from the drifting boat, the project approaches the ship as a performative space shaped by infrastructures, regulations, urban dynamics, and cultural expectations, including historical maritime imaginaries, gendered mythologies, and notions of belonging. Based on Situationist analyses of spectacle and dérive, the project critically examines how artistic practices operate within temporary festival conditions and how institutions situate themselves in public space. We will develop individual or collective works at the intersection of spatial practices, performance, sound, installation, and time-based media, based on site-specific and situated research shaped by specific geographies, embodied experiences, and temporary encounters. The works are developed in direct relation to the ship and its temporary festival context.    The project includes conceptual input, discussions, collective planning, and on-site production phases, concluding with the presentation of works during the Breminale (01.07. – 05.07.).   Introduction: 09.04.2026, 10:00, Atelier 3.04.050 (Segment 4)

Die Lehrveranstaltung „Einführung in die (Bühnen-)Pyrotechnik“ beschäftigt sich mit Pyrotechnik als künstlerischem Medium innerhalb zeitgenössischer Aufführungs- und Veranstaltungspraxis. Ausgangspunkt ist die Frage, wie Feuerwerk und pyrotechnische Effekte historisch entstanden sind, welche symbolischen und gesellschaftlichen Bedeutungen sie tragen und wie sie heute gestalterisch eingesetzt werden können. Im Seminar werden theoretische Perspektiven mit einer praxisnahen Einführung in verschiedene Effektkategorien der Bühnenpyrotechnik verbunden. Dabei geht es sowohl um ästhetische Wirkungsweisen und dramaturgische Einsatzmöglichkeiten als auch um die technischen und gestalterischen Grenzen des Mediums in unterschiedlichen performativen Kontexten. Ein besonderer Schwerpunkt liegt auf Fragen der Arbeitssicherheit, den rechtlichen Rahmenbedingungen sowie ökologischen und nachhaltigen Aspekten. Diese werden nicht isoliert behandelt, sondern als Bestandteil eines reflektierten künstlerischen Arbeitsprozesses verstanden. Die Lehrveranstaltung kombiniert theoretische Inputs, die Analyse historischer und zeitgenössischer Beispiele sowie praktische Demonstrationen ausgewählter Effekte. Ergänzend werden externe Expert*innen aus der professionellen Feuerwerks- und Bühnenpyrotechnik eingeladen, um Einblicke in aktuelle technische Entwicklungen, Sicherheits- und Genehmigungsprozesse sowie berufspraktische und regulatorische Perspektiven zu geben und diese gemeinsam mit den Studierenden zu diskutieren. Eine Exkursion zum Internationalen Feuerwerkswettbewerb in Hannover bietet die Möglichkeit, professionelle Großfeuerwerke als performative Gesamtereignisse zu analysieren. Dabei werden unter anderem Choreografie, Musiksynchronisation, Dramaturgie, Raumwirkung sowie Fragen der Veranstaltungssicherheit und Publikumsorganisation betrachtet und gemeinsam reflektiert. Ebenso werden ökologische, kulturelle und ökonomische Dimensionen zeitgenössischer Feuerwerkskultur thematisiert. Die Veranstaltung richtet sich an Studierende der Fachbereiche Kunst und Design sowie Musik und fördert interdisziplinäre Zusammenarbeit, künstlerisch-forschende Arbeitsweisen sowie einen verantwortungsvollen und reflektierten Umgang mit den theatralen Mitteln der Aufführung. Die Teilnahme am Einführungstermin am 16.04. ist für alle Teilnehmenden verpflichtend. ---

Das Projekt untersucht den Friedhof als Ort gesellschaftlicher Transformation und künstlerischer Praxis. Ausgangspunkt ist der Friedhof Syke-Barrien, dessen Struktur sich durch veränderte Bestattungspraktiken und Formen des Erinnerns zunehmend wandelt. Die Initiative zur Zusammenarbeit ging von der Friedhofsverwaltung aus, die angesichts dieser Veränderungen neue Formen des Umgangs mit dem Ort sucht und den künstlerischen Prozess als Teil dieser Auseinandersetzung versteht. Leerstellen, Übergänge und offene Nutzungsfragen werden dabei nicht nur als städtebauliche, sondern als kulturelle und soziale Situationen lesbar. In Zusammenarbeit mit der Künstlerin Katrin Hylla (Schwankhalle Bremen), die den Arbeitsprozess mit einer externen künstlerischen Perspektive begleitet, entwickeln Studierende szenische, performative, klangliche und musikalische Miniaturen und Interventionen im öffentlichen Raum. Der Arbeitsprozess entsteht im Austausch und durch ortsbezogene Recherche. Der Friedhof wird dabei als ein Ort erfahrbar, an dem Vergänglichkeit nicht abstrakt verhandelt, sondern räumlich und sozial präsent ist. Unterschiedliche Formen des Trauerns und Erinnerns, die sich in Bestattungspraktiken, Gestaltungen und Nutzungen des Ortes einschreiben, bilden einen Ausgangspunkt für die künstlerische Arbeit und leiten zugleich grundlegende Fragen nach Erinnerungskultur und gemeinschaftlichen Ritualen an. Musik kommt dabei eine besondere Rolle zu: Beerdigungen sind kaum ohne Klang, Lied oder Rhythmus denkbar, zugleich haben sich Vorstellungen darüber, wie und warum Musik im Angesicht des Todes erklingt, historisch stetig verändert. Abwesenheit wird dabei nicht als Leerstelle verstanden, sondern als eine Form von Gegenwärtigkeit, die sich im Hören, Erinnern und gemeinsamen Wahrnehmen zeigt. Die entstehenden Arbeiten fragen danach, wie sich dieser heutige Umgang mit Endlichkeit wahrnehmen, teilen und künstlerisch artikulieren lässt. Praktisch umfasst die Lehrveranstaltung gemeinsame Ortsbegehungen und Recherchephasen auf dem Friedhof ebenso wie die Arbeit im Studio. Die Studierenden entwickeln eigenständige Arbeiten in Einzel- oder Gruppenkonstellationen im Dialog mit den räumlichen, sozialen und atmosphärischen Bedingungen des Ortes und reflektieren dabei zugleich die Bedingungen künstlerischer Produktion und Rezeption sowie etablierte Formen des Zeigens und Wahrnehmens. Erster Termin am 08.05. Treffpunkt wird noch bekanntgegeben. --- The project explores the cemetery as a site of social transformation and artistic practice. Its starting point is the Syke-Barrien cemetery, whose structure is increasingly changing as a result of evolving burial practices and forms of remembrance. The initiative for the collaboration originated with the cemetery administration, which, in response to these developments, is seeking new ways of engaging with the site and understands the artistic process as part of this ongoing negotiation. Vacancies, transitions, and open questions of use are approached not only as spatial or urban issues, but as cultural and social conditions. The working process develops through exchange and site-based research. The cemetery becomes a place where transience is encountered not as an abstract concept but as a spatial and social reality. Different forms of mourning and remembering, inscribed in burial practices, designs, and uses of the site, serve as a starting point for the artistic work and open broader questions concerning cultures of remembrance and collective rituals. Music plays a particular role in this context: funerals are almost unthinkable without sound, song, or rhythm, yet ideas of how and why music is heard in the face of death have changed considerably over time. Absence is understood not as an empty void but as a form of presence that emerges through listening, remembering, and shared perception. The resulting works explore how contemporary ways of engaging with finitude can be perceived, shared, and articulated through artistic means. Practically, the course includes collective site visits and research phases at the cemetery as well as studio-based work. Students develop independent projects individually or in groups, working in dialogue with the spatial, social, and atmospheric conditions of the site while reflecting on the conditions of artistic production and reception and reconsidering established modes. First session on 8 May. The meeting point will be announced.

Der zweite Teil der Lehrveranstaltung widmet sich zeitgenössischen Theorien der Performance und deren kritischer Neubewertung der ästhetischen Moderne. Aufbauend auf den historischen und begrifflichen Grundlagen des ersten Teils werden performative Praktiken nun unter dem Gesichtspunkt ihrer politischen, ökonomischen und medialen Verflechtungen untersucht. Im Mittelpunkt steht die Frage, wie sich Konzepte von Klang, Körper, Raum und Handlung seit den 1990er Jahren verschieben und wie gegenwärtige Theorien die zentralen Annahmen der Moderne neu lesen: das autonome Subjekt, die Idee künstlerischer Autonomie, die Vorstellung unmittelbarer Präsenz sowie Fortschritts- und Innovationsnarrative der Avantgarde. Diskutiert werden unter anderem: Performativität, Geschlecht und Subjektkonstitution bei Judith Butler sowie Materialität, Relation und Agency bei Karen Barad als auch Performance als kulturelles, organisatorisches und technologisches Regime bei Jon McKenzie Diese Positionen werden nicht isoliert behandelt, sondern im Dialog mit künstlerischen Praktiken aus Performance, Theater, Klangkunst und Medienkunst analysiert. Dabei wird gefragt: Wie verändern sich Körper- und Subjektbilder unter digitalen und posthumanen Bedingungen? Inwiefern ist Performance in neoliberale Projekt- und Effizienzlogiken eingebunden? Welche Rolle spielen Geschlecht, Macht und koloniale Wissensordnungen in performativen Formaten? Wie lassen sich alternative Formen von Narration, Zeitlichkeit und Zusammenarbeit denken? Besondere Aufmerksamkeit gilt dem Zusammenspiel von Klang, Körper, Raum und Handlung als ästhetischer und zugleich gesellschaftlich wirksamer Kategorien. Zur Lehrveranstaltung findet ergänzend ein Lektürekurs statt, in dem zentrale theoretische Texte sowie ausgewählte künstlerische Beispiele vertiefend analysiert werden. Der Lektürekurs dient der genauen Textarbeit, der begrifflichen Klärung und der detaillierten Auseinandersetzung mit Audio- und Videomaterial. Seminar und Lektürekurs sind inhaltlich aufeinander abgestimmt. Die Veranstaltung richtet sich an Studierende aller Fachbereiche, insbesondere an jene, die selbst mit performativen oder künstlerischen Formaten arbeiten. Erwartet werden die Bereitschaft zur intensiven Lektüre, zur Analyse von Aufführungen und Kunstwerken sowie zur aktiven Diskussion. Die Teilnahme am ersten Teil ist nicht zwingend erforderlich, wird jedoch zur besseren Einordnung der theoretischen Bezüge empfohlen. --- Veranstaltungsbeschreibung Die kritische Medientheorie beobachtet die dramatisch gestiegene Bedeutung von Medien, Technologien, Software und Ich-bewussten und autonomen Entitäten und Prozessen in unserem Leben. Gesellschaft und Wirtschaft haben immer mehr zu tun mit der Auseinandersetzung zwischen menschlichen und „posthumanen“ Akteuren. Auch die Menschen werden selbst "posthuman". Posthumane Medientheorien sind mit ökologischen Perspektiven verbunden, da sie den "Anthropozentrismus" in Frage stellen, der unsere Betonung auf industrielle Produktion und der Beherrschung der Natur unterstützt hat. Posthumane Medientheorien sind auch mit Feminismus, Queer-Theorie und Postkolonialismus verbunden, da sie die Definitionen von Geschlecht, Sexualität, Rasse und Nation in Frage stellen. Und wie ist das Verhältnis von Posthumanismus zu transmedialer Gestaltung und Digital Media Design? The future digital media technologies we are interested in are: Zukünftige digitale Medientechnologien, an denen wir interessiert sind, sind: • Artificial Intelligente • Algorithm-Driven Social Media • Virtual Reality / Augmented Reality • Virtual Wars • Virtual companions, robots, androids, cyborgs • Internet of Things / smart home • Self-driving cars / mobility of the future • Blockchain / smart contracts / cryptocurrencies • Experience design / future of the web • Energy, ecology, environment, sustainability • 3D printers, additive manufacturing • Economics, automation, post-capitalism • Digital-neurological interface • Advanced biotechnologies Some of the topics and media theories to be considered are: Einige der zu betrachtenden Themen und Medientheorien sind: • Aliens • Animals • Biological Art • Cyborg theory • Cybernetics • Embodiment • Emotions • Ethics • Fake news • Fourth Industrial Revolution • Hyperreality • Moral algorithms • Object-oriented ontology • P2P economies • Post-capitalism • Post-Truth • Quantum consciousness • Robotics • Simulation • Surveillance • Technological anarchism • The Anthropocene • Transhumanism • Transsexuality • Wearable Computing

Die Probebühne ist die Bühne ohne Bühne: ein ständiges Austauschformat für alle Studierenden, die an performativen, szenischen, installativen, klangbasierten, medialen oder anderen Formaten mit Aufführungscharakter arbeiten. Im Mittelpunkt stehen Arbeiten, die eine Situation herstellen: im Raum, im Klang, im Bild oder im Zusammenspiel verschiedener Medien und sich mit den Bedingungen ihrer Präsentation auseinandersetzen. Alle Arbeitsstände sind willkommen: erste Ideen, Skizzen, Partituren, Scores oder konzeptuelle Überlegungen ebenso wie praktische Umsetzungsversuche, Proben, Tryouts, Werkstattaufführungen oder Zwischenstände bis hin zu weit entwickelten Arbeiten, Konzertformaten oder Abschlussprojekten. Eine besondere Betonung liegt auf der Neugier gegenüber den künstlerischen Ansätzen der anderen und der Bereitschaft, diese gemeinsam zu erkunden. Künstlerische Praxis bedeutet immer auch, den eigenen Arbeitsprozess sichtbar zu machen und zu teilen: über die eigene Arbeit zu sprechen, sie zur Diskussion zu stellen und Gedanken sowie Perspektiven anderer einzubeziehen. Ebenso gehört dazu, sich mit den Arbeiten der anderen auseinanderzusetzen, sie zu betrachten oder zu hören, Fragen zu stellen und konstruktiv Feedback zu geben. Die Teilnehmenden sind eingeladen, ihre individuellen oder kollektiven Projekte beziehungsweise künstlerischen Praktiken in einer festen Gruppe vorzustellen und gemeinsam theoretisch wie praktisch zu reflektieren. Neben der Besprechung der einzelnen Arbeiten und Fragestellungen soll es Raum geben, allgemeine Themen zur Umsetzung von Projekten zu diskutieren, etwa Fragen der Projekt- und Produktionsleitung, Förderformate und -institutionen sowie Akquise von Projektgeldern und Antragstellung von der Konzeption bis zur Abrechnung, ebenso technische Grundlagen wie die Erstellung eines Technical Riders, Spielstättenbesichtigungen und das Kennenlernen der technischen Ausstattung der Hochschulbühnen und Aufführungsräume. Die Probebühne wird zu zwei unterschiedlichen Terminen angeboten. Beide stehen Studierenden aller Fachbereiche offen und unterscheiden sich ausschließlich im Durchführungszeitraum. Die Themen der jeweiligen Sitzung werden individuell auf die Bedürfnisse und Fragen der Teilnehmenden angepasst. Ein Wechsel innerhalb der Probebühnenformate während des Semesters wird nicht empfohlen. Die Probebühne kann nach Bedarf der Teilnehmenden auf Deutsch oder Englisch stattfinden. --- The second part of the course focuses on contemporary theories of performance and their critical reassessment of aesthetic modernism. Building on the historical and conceptual foundations established in the first part, performative practices will now be examined with regard to their political, economic, and medial entanglements. At the center of the course lies the question of how concepts of sound, body, space, and action have shifted since the 1990s, and how contemporary theories reread the key assumptions of modernism: the autonomous subject, the idea of artistic autonomy, the notion of immediate presence, and the avant-garde narratives of progress and innovation. Among the theoretical approaches discussed are performativity, gender, and subject formation in the work of Judith Butler; materiality, relationality, and agency in Karen Barad; and performance as a cultural, organizational, and technological regime in Jon McKenzie. These positions will not be treated in isolation but analyzed in dialogue with artistic practices in performance, theatre, sound art, and media art. Central questions include: How do concepts of body and subjectivity change under digital and posthuman conditions? To what extent is performance embedded in neoliberal project-based and efficiency-driven logics? What role do gender, power, and colonial epistemologies play in performative formats? How might alternative forms of narration, temporality, and collaboration be imagined? Particular attention will be given to the interplay of sound, body, space, and action as aesthetic categories that are simultaneously socially operative. In addition to the seminar, a reading group (Lektürekurs) accompanies the course. In this format, key theoretical texts as well as selected artistic examples will be analyzed in greater depth. The reading group is dedicated to close textual analysis, conceptual clarification, and detailed engagement with audio-visual material. The seminar and the reading group are conceptually aligned. The course is open to students from all disciplines, particularly those working with or interested in performative formats. Active participation, careful reading, and engagement with performances and artworks are expected. Participation in the first part is not mandatory but recommended for a fuller understanding of the theoretical framework.

Der begleitende Lektürekurs dient der vertiefenden Auseinandersetzung mit zentralen Texten der Performancetheorie sowie mit ausgewählten künstlerischen Beispielen. Im Mittelpunkt stehen die genaue Lektüre und Diskussion theoretischer Positionen (u.a. Judith Butler, Karen Barad, Jon McKenzie) sowie die Analyse exemplarischer Arbeiten aus Performance, Theater, Klang- und Medienkunst. Der Kurs legt besonderen Wert auf begriffliche Präzision, Close Reading und die gemeinsame Diskussion von Audio- und Videomaterial. Ziel ist es, zentrale Konzepte wie Performativität, Präsenz, Materialität, Agency, Körper- und Subjektkonstitution sowie mediale und ökonomische Rahmenbedingungen performativer Praktiken differenziert zu erarbeiten. Der Lektürekurs ergänzt das Seminar inhaltlich und methodisch; beide Formate sind aufeinander abgestimmt. Die Veranstaltung richtet sich an Studierende aller Fachbereiche, insbesondere an jene, die selbst mit performativen oder künstlerischen Formaten arbeiten. Erwartet werden die Bereitschaft zur intensiven Lektüre, zur Analyse von Aufführungen und Kunstwerken sowie zur aktiven Diskussion. ---

Die Probebühne ist die Bühne ohne Bühne: ein ständiges Austauschformat für alle Studierenden, die an performativen, szenischen, installativen, klangbasierten, medialen oder anderen Formaten mit Aufführungscharakter arbeiten. Im Mittelpunkt stehen Arbeiten, die eine Situation herstellen: im Raum, im Klang, im Bild oder im Zusammenspiel verschiedener Medien und sich mit den Bedingungen ihrer Präsentation auseinandersetzen. Alle Arbeitsstände sind willkommen: erste Ideen, Skizzen, Partituren, Scores oder konzeptuelle Überlegungen ebenso wie praktische Umsetzungsversuche, Proben, Tryouts, Werkstattaufführungen oder Zwischenstände bis hin zu weit entwickelten Arbeiten, Konzertformaten oder Abschlussprojekten. Eine besondere Betonung liegt auf der Neugier gegenüber den künstlerischen Ansätzen der anderen und der Bereitschaft, diese gemeinsam zu erkunden. Künstlerische Praxis bedeutet immer auch, den eigenen Arbeitsprozess sichtbar zu machen und zu teilen: über die eigene Arbeit zu sprechen, sie zur Diskussion zu stellen und Gedanken sowie Perspektiven anderer einzubeziehen. Ebenso gehört dazu, sich mit den Arbeiten der anderen auseinanderzusetzen, sie zu betrachten oder zu hören, Fragen zu stellen und konstruktiv Feedback zu geben. Die Teilnehmenden sind eingeladen, ihre individuellen oder kollektiven Projekte beziehungsweise künstlerischen Praktiken in einer festen Gruppe vorzustellen und gemeinsam theoretisch wie praktisch zu reflektieren. Neben der Besprechung der einzelnen Arbeiten und Fragestellungen soll es Raum geben, allgemeine Themen zur Umsetzung von Projekten zu diskutieren, etwa Fragen der Projekt- und Produktionsleitung, Förderformate und -institutionen sowie Akquise von Projektgeldern und Antragstellung von der Konzeption bis zur Abrechnung, ebenso technische Grundlagen wie die Erstellung eines Technical Riders, Spielstättenbesichtigungen und das Kennenlernen der technischen Ausstattung der Hochschulbühnen und Aufführungsräume. Die Probebühne wird zu zwei unterschiedlichen Terminen angeboten. Beide stehen Studierenden aller Fachbereiche offen und unterscheiden sich ausschließlich im Durchführungszeitraum. Die Themen der jeweiligen Sitzung werden individuell auf die Bedürfnisse und Fragen der Teilnehmenden angepasst. Ein Wechsel innerhalb der Probebühnenformate während des Semesters wird nicht empfohlen. Die Probebühne kann nach Bedarf der Teilnehmenden auf Deutsch oder Englisch stattfinden. --- The accompanying reading group provides an in-depth engagement with key texts in performance theory as well as selected artistic examples. The course focuses on the close reading and discussion of theoretical positions (including Judith Butler, Karen Barad, and Jon McKenzie) alongside the analysis of exemplary works from performance, theatre, sound art, and media art. Particular emphasis is placed on conceptual precision, close reading, and the collective discussion of audio-visual material. The aim is to develop a differentiated understanding of central concepts such as performativity, presence, materiality, agency, body and subject formation, as well as the medial and economic conditions shaping performative practices. The reading group complements the seminar both thematically and methodologically; the two formats are closely coordinated. The course is open to students from all disciplines, particularly those working with or interested in performative or artistic formats. Active participation, intensive reading, and engagement with performances and artworks are expected.

Das Projekt bringt die Bereiche Performance und neue musikalische Aufführungsformen und Temporary Spaces zusammen, um das Schiff Dauerwelle als temporären künstlerischen und institutionellen Raum im Rahmen des jährlich stattfindenden Festivals der Breminale zu bespielen. Ausgehend vom driftenden Boot versteht das Projekt das Schiff als performativen Raum, die durch Infrastrukturen, Regulierungsmechanismen, urbane Dynamiken und kulturelle Erwartungen geprägt ist, einschließlich maritimer Narrative, Geschlechtscodierungen und Konzepte von Zugehörigkeit. Ausgehend von situationistischen Analysen zum Spektakel und zur Dérive, untersucht das Projekt kritisch, wie künstlerische Praktiken unter den temporären Festivalbedingungen agieren und wie sich kulturelle Institutionen im öffentlichen Raum positionieren. Wir entwickeln individuelle oder kollektive Arbeiten an der Schnittstelle von räumlichen Praktiken, Performance, Sound, Installation und zeitbasierten Medien. Die Arbeiten basieren auf ortsspezifischer und situierter Recherche und entstehen in direkter Beziehung zum Schiff und seinem temporären Festival-Kontext. Das Projekt umfasst konzeptionelle Inputs, Diskussionen, gemeinschaftliche Planung und Produktionsphasen vor Ort und schließt mit der Präsentation der Arbeiten während der Breminale (01.07. – 05.07.) ab. ---